Картины в японском стиле своими руками: живопись и объем

Периодизация японского искусства

Как нигде в мире, в Японии история искусства теснейшим образом связана с историей, точнее, с историей правящих династий. Основные периоды развития японской живописи:

• Ямато (VI – VII век);
• Нара (середина VII – VIII век);
• Хэйан (конец VIII – XII век);
• Камакура (конец XII – первая половина XIV века);
• Муромати (первая половина XIV – первая половина XVI века);
• Адзути-Момояма (вторая половина XVI века);
• Эдо (XVII – XIX век);
• Мэйдзи (конец XIX – начало XX века);
• современная японская живопись.

Каждый из периодов отличается по способу художественного выражения мира, манере письма, но неизменным остаётся преобладание пейзажей: это сквозной мотив искусства Японии. Каждый художник этой страны, от древнейших до современных, исполнен глубокого почитания природы как вечного источника жизни.

Наиболее интересны в художественном плане периоды Ямато, Муромати и Момояма.

Лоскутная живопись в технике кинусайга

Японцы – люди очень практичные. Именно поэтому старые, не пригодные для дальнейшей носки кимоно они разрезают на мелкие кусочки и создают замечательные лоскутные картины.

Чтобы своими руками создать шедевр, вам понадобится следующее:

• Лист плотного картона;
• Тонкий лист пенопласта (подойдет квадрат потолочной плитки);
• Лоскутки ткани одинаковой толщины;
• Синтепон или вата;
• Клей-карандаш;
• Зубочистка или тонкая спица;
• Принадлежности для шитья – нитки, игла, портновские булавки, ножницы;
• Краски (лучше всего акриловые).

Этапы работы:

• Проще всего приобрести готовый шаблон в магазине рукоделия. Там уже намечено, как именно разрезать его. В комплект входит два одинаковых рисунка. Иначе вам придется создавать его своими руками.

• Перенесите рисунок на кальку и разрежьте на фрагменты. Чтобы не запутаться, каждый кусочек пронумеруйте.

• Вырежьте детали из ткани подходящего цвета. Со всех сторон добавьте минимум 2 мм для припуска.

• Пенопласт наклейте на картон. На него приклейте второй экземпляр шаблона и острым ножом прорежьте линии контуров. Желобки должны быть примерно той же глубины, что и припуск на ткани.

• Края желобков промажьте клеем. Зубочисткой или иглой аккуратно заправляйте каждый лоскуток на свое место. Оставляйте небольшое отверстие, чтобы набить его ватой или синтепоном.

• Прорисуйте краской мелкие детали. Также для отделки можно использовать тонкие шнуры. Японская картина готова.

Суми-э

Эта техника рисунка тушью на рисовой бумаге, привезенная в XIII веке китайскими монахами, иначе называется еще суйбоку, суйбокуга. Японские художники довели её до совершенства: монохромные пейзажи кажутся написанными акварелью. Типичные сюжеты суми-э – горы и водоемы.

Ярчайшие представители направления:

• Дзёсецу. Монах, считающийся основоположником суми-э. Самое известное произведение – «Ловля рыбы тыквой».
• Тоё Сэссю. Его работы – эталон этой техники, яркий образец которой – «Пейзаж в стиле хабоку».
• Сэссон. Интересен не только творчеством, но и происхождением: он был самураем. В его пейзажах часто присутствуют животные, как, например, на картине «Обезьяны на скалах и деревьях».
• Хосэгава Тохаку. Благодаря ему стиль суми-э приобрел необыкновенную популярность. Одна из вершин его творчества – «Сосны».

Самый простой вариант

Для тех, кто располагает минимумом времени, и не может похвастаться способностями к рисованию, есть следующий вариант картины своими руками.

На листе плотного картона густой черной гуашью или тушью изобразите ветку дерева. Затем в нескольких блюдцах или одноразовых пластиковых тарелках в разных пропорциях смешайте красную и белую краску, чтобы получить различные оттенки розового. Цвета не должны быть излишне яркими. Поочередно в каждое блюдце окунайте спонж или кусочек губки и наносите отпечатки на картон, изображая цветы сакуры.

Перед нанесением следующего слоя дождитесь, пока полностью высохнет предыдущий.

Укиё-э

Так называются гравюры на дереве, характерные для городского искусства Японии. Их содержание перекликалось с сюжетами городской литературы. В центре внимания художников – люди: гейши, артисты театра кабуки, борцы сумо. Пейзажи в укиё-э появились гораздо позже. Наивысшего расцвета этот вид ксилографии достиг уже в XVII веке, а в XVIII появилась техника цветной печати.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Художественная школа Кано

Её влияние выходит далеко за пределы Муромати: 300 лет род Кано почти безраздельно царил в японской живописи. Этому немало способствовала поддержка сегуната, официальными художниками которого были представители школы, начиная с основателя – Кано Масанобу (1434–1530). Он разработал собственный оригинальный стиль, взяв за основу суйбокуга и добавив легкую подсветку минеральными красками.

Создателем же фирменного стиля Кано стал сын Масанобу – Мотонобу (1476–1559). Он соединил письмо тушью и использование красок, но самое главное – в его творчестве получила развитие национальная традиция ямато-э. Мотонобу оказался ещё и удачливым предпринимателем: он открыл сеть художественных студий, которая разрасталась год от года.

Внука Монотобу – Эйтоку (1543–1590), можно, пожалуй, считать лучшим мастером школы Кано. Ширмы – неотъемлемый элемент японских интерьеров – в его исполнении стали символом изысканной роскоши Момояма и живописным стандартом на годы вперед. Сложный, тщательно прописанный на золотом фоне пейзаж насыщен множеством тончайших деталей, ускользающих от беглого взгляда, но завораживающих при внимательном рассмотрении.

Последний выдающийся представитель Кано – Сансецу (1589–1651), который работал уже в эпоху Эдо, когда модной стала строгая простота. И хотя он по-прежнему занимался золотыми росписями, славу ему принесли картины, выполненные тушью.

Школа Кано представляет собой цельное явление, несмотря на огромное количество художников, принадлежащих к ней. Тематика картин охватывает все традиционные мотивы – пейзажи, животных, бытовые сценки. Превосходны выполненные мастерами Кано монохромные росписи по шелку, для которых характерно сочетание реалистичного переднего плана и отвлеченного – второго: на нём изображались облака, волны, туман.

В XIX веке, когда Япония перестала быть замкнутой в себе и скрытой от мира, она некоторое время находилась под сильным европейским влиянием. В искусстве это проявилось конкуренцией традиционного и западного стиля. Но эта борьба довольно быстро угасла, и классическая японская живопись снова заняла центральное место в культуре страны.

Kakejiku — японский взгляд на живопись

Сегодня мне захотелось познакомить вас с необычным, не типичным для нас европейцев, японским восприятием понятия живопись. Прочитав эту публикацию, вы увидите мировоззренческую разницу между нами и ними в отношении к картине, возможно даже немного останетесь в недоумении. Но думаю, вам будет несомненно интересно узнать что значит 100 картин для европейца и те же 100 картин для японца. Итак, начнем!

В Японии существует интересная форма живописи и называется она какедзику. «Kakejiku» — это японский висячий свиток. Произведение живописи или каллиграфии, которое обычно монтируется с краями шелковой ткани на гибких подложках. Kakejiku можно свернуть для хранения. По сравнению с «макимоно», который должен быть развернут по горизонтали и желательно на плоской поверхности, kakejiku предназначен для подвешивания к стене как часть внутреннего убранства комнаты. Он традиционно показан в алькове «tokonoma» комнаты, которая специально конструирована для того, чтобы показать ценные предметы. Он также может быть повешен в самой важной комнате дома, где проводится чайная церемония или другие традиционные мероприятия. Kakejiku также часто висит в комнатах боевых искусств, называемых «doujou» (учебные комнаты). Рядом с какэдзику часто находятся другие предметы («окимоно»), такие как мечи («катана»), куклы, «бонсай» или цветочные композиции («икебана»). Существенным аспектом kakejiku является то, что он не предназначен для постоянного подвешивания, что делает его универсальным в его размещении.

«Какэдзику» (висячий свиток) был введен в Японию в период Хэйан (794-1185), главным образом для отображения буддийских изображений для религиозного поклонения, или как способ отображения каллиграфии или поэзии.«

Оригинальная архитектура японского жилья значительно развилась со времен Муромати (1336-1573). В этом архитектурном стиле, где комната в японском стиле (называемая «washitsu») стала комнатой, на полу которой уложены татами, и она содержит одно специальное пространство, которое называется альковом «tokonoma». Самой важной особенностью токономы является отображение какэдзику. Токонома рассматривалась как пространство, соединяющее искусство и повседневную жизнь, поэтому пейзажи, картины цветов и птиц, портреты и поэзия стали любимыми темами.

В период Момоямы (1573-1600) были представлены два великих государя: Нобунага Ода и Хидэеси Тоетоми. Они очень любили «чаною» (чайные церемонии). Чайные церемонии обычно проводились в комнате с альковом токонома. В этот период был разработан и создан архитектурный стиль токонома. Наряду с развитием стиля токонома, были также разработаны методы живописи и монтажа, потому что kakejiku всегда отображался в токономе. Кроме того, когда Сен-но Рикюу упомянул о важности какэдзику, какэдзику стал чрезвычайно популярен среди людей, которые были очарованы чайными церемониями.

В период Эдо (1603-1868) в Японии было всего несколько крупных войн. Миролюбие периода Эдо позволило японской культуре достичь полной зрелости. Многие известные художники процветали и соперничали друг с другом. Kakejiku также стал популярным среди общественности.

После периода Мэйдзи (1868) многие художники соревновались друг с другом в технике, потому что в этот период люди стали абсолютно свободны в выборе своих занятий. До Второй Мировой Войны, и в течение некоторого времени после этой войны, большинство картин в японском стиле были разработаны, чтобы стать украшением в виде kakejiku.

Однако возникает вопрос, почему заменяется «kakejiku» (висячий свиток)? Дух чайной церемонии, традиционного японского искусства, глубоко влияет на этот японский обычай. Существует сердце гостеприимства под названием «омотенаши» в чайной церемонии. Когда японцы думают о настроении чайной церемонии, они многое принимают во внимание. Более конкретно, они думают о различных методах, которые они могли бы использовать, чтобы создать настроение лучше. Kakejiku отображается, чтобы выразить уважение к гостям косвенно, и считается самым важным инструментом в чайной церемонии. Таким образом, kakejiku заменяется в зависимости от случаев или сезонов. В омотенаши сердце заставляет их изменить kakejiku.

Какэдзику развивался в эпоху Муромати (1336-1573) наряду с развитием чайных церемоний. В результате люди начали думать, что важно было выразить формальность случая и уважение к гостям, показывая различные виды kakejiku. Многие обычаи какэдзику были выведены из этого типа мышления в Японии. Конечно, многие владельцы имеют свои kakejiku с целью получить самому наслаждения от созерцания, и это также часть удовольствия, чтобы показать их своим гостям.

Существует ”токонома» альков в «washitsu» (традиционный японский стиль комнаты), где отображается “kakejiku” (висит свиток). Однако в комнате, кроме kakejiku очень мало мебели. У японцев нет обычая вешать много картин на стены внутри комнаты. Они обычно показывают kakejiku только в tokonoma, и заменяют его другим в зависимости от случаев, гостей и сезонов. Говорят, что этот стиль отображения контрастирует с западным стилем. Многие картины часто отображаются на стенах западных зданий, таких как старые европейские здания или дворцы. Например, если есть 100 картин, это будет западный стиль, чтобы отобразить все 100 картин на стенах. Однако японцы кладут все 100 картин в шкаф и выбирают только одну, чтобы выставить на короткий срок в своем фиксированном месте (токонома). Поэтому между Западом и Японией существует явное различие в функциях, требуемых от живописи. На Западе живопись нуждается в раме для прочности, потому что она отображается в течение длительного времени. В Японии, однако, картина не нуждается в такой большой защите, потому что она отображается только в течение короткого времени. Удобство использования являются очень важными элементами для картины, потому что японцы будут часто менять ее. Также необходимо не занимать место для хранения. То есть стиль, который удовлетворяет вышеуказанным условиям, является стилем какэдзику. Kakejiku сворачивается, когда убирают его, и разворачивается при вывешивании его. В результате, гибкость и прочность необходимые качества какэдзику. Поэтому “Хонсю » (основную работу) укрепляют, подкрепляя ее другим листом бумаги, а вокруг Хонсю прикрепляют полотна, и они соединяются. Это грубый процесс монтажа для kakejiku. Если kakejiku свернут, этот стиль предотвращает honshi от сминания, разрыва и загрязнения. Даже если Хонсю поврежден или становится грязным, срок службы Хонсю и его эстетическая ценность могут быть сохранены в течение нескольких сотен лет путем повторного монтажа kakejiku. Kakejiku-это идеальный стиль; он позволяет японцам наслаждаться своими картинами в лучшем виде.

Вот, пожалуй и все, надеюсь вам было интересно и вы узнали что то новое для себя! Думаю, полезно время от времени проникнуться мыслью насколько мы разные люди на этой планете. А от меня вам мои дорогие, как всегда, «Всем мира и каждому свое!»