Рубрики : Арт, Избранное, Культура, Последние статьи
Японцы всё делают по-своему. Не исключение и музыка. Копируя стиль и подачу Запада, музыканты из Японии производят собственный, не похожий ни на что продукт. И даже экспериментальная музыка, по которой тяжело определить, где и кем она написана, в Японии обладает особым стилем. Японская сцена живёт своей жизнью, не обращая внимания на общемировые тренды. И теперь уже западные композиторы перенимают «фишки» азиатских коллег. Разбираемся, чем выделяется неформатная современная японская музыка.
Jikken Kobo
Исполнители популярной музыки в 50-ых годах были ограничены в творчестве контрактами и обязательствами перед записывающими компаниями и продюсерами, поэтому не могли свободно экспериментировать и искать собственное звучание. Тогда начался расцвет подпольной авангардной сцены.
Экспериментировать с искусством японцы начали в 1951 году. Тогда было основано общество Jikken Kobo (с японского «экспериментальная мастерская»). Его участники — поэты, фотографы, художники и композиторы искали новые способы выразить свои мысли и идеи через искусство. Западное звучание и музыкальные традиции перерабатывались согласно мировоззрению японцев — они пытались нивелировать американское влияние, обращаясь к теме буддизма и собственным музыкальным традициям. В композициях звучали японские национальные инструменты, а текст больше напоминал японскую поэзию. Каждое произведение было результатом эксперимента. В 1958 году общество прекратило существование. Но на месте объединения сразу появилось множество движений и групп, желавших продолжить дело, начатое мастерской.
Первая половина 70-ых. Японская Новая Волна.
В 1970-ых на западе началась эпоха Новой Волны. Японцы копировали звучание и стилистику британских и американских групп, таких как This Heat, Talking Heads, New Order и многих других. В то же время привносили собственный колорит и перерабатывали её по-своему.
The Plastics
Графический дизайнер из Токио Тосио Наканиси разработал и отослал дизайн промо-книги тура Talking Heads их лидеру Дэвиду Бирну. Вместе с книгой он отправил несколько демо-записей своей группы The Plastics. Записи заинтересовали Бирна, и он передал их менеджеру the B-52’S, который впоследствии предложил Наканиси раскручивать the Plastics. Своё имя группа получила из-за расхожего мнения западного мира о «пластиковых», то есть некачественных японских товарах, которые считались низкопробной подделкой действительно хороших американских продуктов. The Plastics не отрицали американского влияния и часто иронизировали на этот счёт. Они копировали стиль и подачу западных исполнителей, однако на выходе выдавали собственный японизированный продукт. По словам Бирна, в эксцентричной музыке пионеров японской Новой Волны был заложен серьёзный смысл, спрятанный за внешней дурачливостью и несерьёзным поведением на сцене. Коллектив строил свою музыку вокруг симбиоза электрогитары и синтезатора, аккомпонирующих двум перекликающимся голосам мужчины и женщины, одетых в пиджаки, рубашки и галстуки. В начале 80-х группа распалась. Несколько её участников создали группу Melon, которая также играла new wave, но уже с элементами R’n’B, глэма и не стесняла себя рамками жанров.
Yellow Magic Orchestra
Ещё до создания группы все участники имели большой опыт выступлений и разносторонний репертуар. Они выступали во множестве коллективов, где играли классику, техно, джи-поп и этническую фолк-музыку. А лидер группы Хосоно Харуми начал экспериментировать с электронными устройствами ещё в начале 70-х во время учёбы в Токийском университете искусств. Результаты своих экспериментов он использовал при создании первого японского техно-альбома. В 1978 коллектив выпустил одноимённый группе альбом, который выиграл премию «Лучший альбом года Японии» и сделал YMO самой популярной группой в стране. Yellow Magic Orchestra исполняли танцевальный электропоп и энергичный синти-поп. Темы киберпанка и компьютеризации в текстах песен, аккомпанировались секвенсорами, драм-машинами и множеством электронных устройств. После выхода альбома ими заинтересовались западные исполнители, в том числе Майкл Джексон, который записал кавер на песню Solid State Survivor. В 1980 YMO поехали в тур по США и Великобритании, где собирали полные залы, а билеты на их концерты быстро раскупались.
Вторая половина 70-ых. Протестная музыка и осознание проблем.
В 1978 в Англии появились Sex Pistols с нонконформистской повесткой и стали кумирами для молодых людей по всему миру. Большинство японских групп копировали стиль и подачу британцев, однако были те, кто пытался создать собственные, непохожий на западный проекты.
Friction
Friction появились одними из первых на зарождавшейся рок-сцене Японии. Перед созданием группы «Reck» и Тацуя Накамура несколько лет прожили в США, где играли в группах Лидии Линч и Джеймса Ченса. Позже они вернулись в Японию и создали первый панк-рок коллектив в стране. В 1978 году к ним присоединился гитарист Цунемацу Масатоси. Первый альбом команды «Atsureki» (с японского Трение) спродюсировал клавишник Yellow Magic Orchestra Рюити Сакамото. Friction копировали стиль американских панков, однако в отличие американцев японцы делали технически качественную музыку. Они умели играть на инструментах, качество звука и сведение были на более высоком уровне, а сами музыканты на сцене вели себя достаточно сдержанно. И выглядели скорее как рокнролльщики 60-х – разноцветные рубашки с воротником, брюки и зачёсанные назад волосы.
Inu
Проект Inu (с японского собака) просуществовал несколько лет и выпустил только два альбома. Первый альбом—Ushiwokamaru Name Tottarado Tsuitaru Zo! был записан во время полугаражных выступлений. Лидер группы Мачизу Мачида отмечал в интервью, что критики считали «сырой» и «грязный» звук альбома авангардистским экспериментом, хотя на самом деле музыкантам просто недоставало навыков игры на музыкальных инструментах. Типичный панк-рок западного образца – нечленораздельные крики, расстроенные гитары и низкое качество звука дополнялись необычными для жанра инструментами – гармоникой, волынками и электронной аппаратурой, на которой чаще записывали техно. Мачида вставлял в записи различные эффекты—марш солдат, выстрелы ружей, стоны и случайные реплики из фильмов, а также запикивал отдельные слова. Через несколько лет после первого вышел единственный студийный альбом группы Mushi Kuuna! В этот раз музыканты ответственно подошли к записи и сведению альбома. Звук стал намного чище, у песен появились ритм и тема. Несмотря на панк-направленность, альбом был неоднороден. Если в первых песнях чётко слышны цепляющий поп-мотив, энергичные перкуссия и ритм-секция, то в середине музыка замедляется, гитары начинают скрежетать, дисторшн заглушает выкрики Мачиды, а барабаны монотонно отбивают один и тот же ритм. К концу альбома энергичный, более чистый звук возвращается, бит ускоряется, а вокал превращается в несвязный гул.
Phew
Одна из ключевых фигур японской авангардной сцены – Phew. Исполнительница начала свою карьеру в 1978 году в Aunt Sally, группе игравшей смесь панк-рока и психоделики. Aunt Sally просуществовала всего два года, успев поработать с известными экспериментальными коллективами из Германии — D.A.F, Einstürzende Neubauten и Can. Ритмичный, монотонный вокал и мелодичные «детские» звуки клавесина с вступавшим барабанным маршем сменялись на быстрый цикличный мотив, чем-то напоминавший ранних Pink Floyd, а затем переходил в авангардную какофонию с рваным ритмом и срывающимся на крик вокалом. В 1981 году Phew начала сольную карьеру и в том же году выпустила импровизационный альбом Phew. В создании участвовали Хольгер Шукай и Яки Либецай из немецкой Can. А записывался и сводился альбом в студии известного продюсера Конрада Планка в Кёльне. Получился минималистичный пост-панк альбом с обилием скрипучих электронных звуков, простых перкуссионных партий с тягучим монотонным вокалом. Как и многие альбомы того времени, Phew был переоткрыт относительно недавно и получил высокие оценки у современных критиков.
Jun Togawa
Дзюн Тогава родилась в стране, чьё общество отвергало прошлое и не давало открыто обсуждать проблемы настоящего. С помощью музыки Тогава привлекала внимание аудитории к двум главным запретным темам в Японии: историческому ревизионизму и сексизму. Она начала заниматься музыкой, когда стало понятно, что в японском обществе ожидаются перемены — здоровье императора Хирохито ухудшалось, эпоха Шова подходила к концу, а на смену модерну в японской культуре приходил пост-модерн.
В 1981 году Дзюн присоединилась к Guernica — авангардной электро-кабаре группе. Участники группы одевались в соответствии с модой 40-ых годов: зачёсанные набок волосы, изящные костюмы у мужчин и женственные платья, украшения и аккуратные укладки у Дзюн. Обложки альбомов напоминали пропагандистские плакаты 30-х годов — влюблённые пары стоят на фоне крупных заводов и смотрят в чистое синее небо, мечтая о сильной модернизированной Японии. Музыка Герники обращалась к ностальгии о предвоенных временах и при этом сочетала в себе элементы популярной немецкой музыки первой половины XX-го века.
Guernica критиковала попытки государства переписать историю. Новая государственная идея о том, что «добро победило зло» — новая демократия поборола военный милитаризм и обновила Японию, должна была заменить утопию мощной модернизированной империи. С помощью пропаганды государство пыталось навязать новые идеи национальной идентичности и научить японцев воспринимать прошлое, как случайное недоразумение, которое теперь должно быть забыто.
В 80-х начался «Золотой век» японской поп-музыки. Наиболее коммерчески успешными проектами были исполнительницы kawai shojo (с японского «милая девушка») —сексуализированный образ инфантильной девушки, которым часто пользовались «айдору» — поп-идолы того времени. Сама Дзюн считала себя антиподом этого образа. Лёгкая воодушевляющая мелодия накладывалась на мрачный нигилистичный текст — неравенство полов, менструация, насилие над детьми и жестокость были лейтмотивом песен Тогавы. Сама исполнительница часто использовала образ насекомого, пела на сцене в костюме стрекозы и отмечала в интервью свою любовь к паразитам и червям, которые олицетворяли для неё свободу от человеческого влияния.
Источники знаний о японской традиционной музыке
Среди источников знания о традиционной музыке Японии необходимо назвать археологические памятники, китайские династийные хроники, японские исторические хроники, хроники императорского двора, буддийские и синтоистские религиозные записи, литературные памятники, драматические произведения, законодательные своды. Несомненно, ценными источниками являются нотные записи, исследование которых представляет особый интерес хотя бы потому, что они совершенно отличаются от европейской системы нотации. Только в конце XIX века японская музыка стала записываться в европейской нотации, а до этого использовалась система, заимствованная из Китая из значков, линий и разноообразных фигур справа или слева от текста для обозначения струны, табулатуры, ритма, темпа и оттенков. При этом, поскольку, в отличие от европейской системы, обозначалась не конкретная нота, а струна или расположение пальцев на флейте, а ритм прописывался не полностью, а задавался только ритмический рисунок, то, не зная мелодии заранее, сыграть по нотам было невозможно. Кроме того, значки и фигурки отличались в зависимости не только от музыкального инструмента, но также от школы в рамках одного жанра. Поэтому исследование японской музыки по нотным записям имеет ограничения и предполагает подробные знания той или иной системы обозначений. Также многие песенные и сказовые произведения передавались от поколения к поколению на слух и не записывались, поэтому, к сожалению, значительная часть фольклорной музыки утеряна.
Знания о древней музыке в Японии основаны почти исключительно на археологических свидетельствах, например, глиняные фигурки ханива дают представления об инструментах того времени: бамбуковой флейте ямато-буэ, древней лютне вагон или ямато-гото и других примитивных инструментах.
Первые письменные упоминания о японской музыке появляются в китайских хрониках. Так, в летописях 3 века китайской династии Вэй Чжи говорится о путешествии в Японию и о песнях и плясках ритуального обряда.
Существует сказание, датируемое III веком, о том, как корейские музыканты инструктируют японцев сохранять корабельную древесину, поскольку она идеально подходит для изготовления инструментов.
Далее музыка упоминается в японских хрониках «Кодзики» (712 г.) и «Нихон сёки» (720 г.). Так, в «Нихонсёки» сообщается, что в 454 г. 80 корейских музыкантов было послано в японскую столицу для исполнения музыки по случаю смерти императора Ингё.
В «Сёку Нихонги», исторической хронике VIII века, рассказывается о музыке для ритуальных посвящений в буддийских и синтоистских храмах.
Важным источником являются религиозные записи, поскольку музыка была неизменно связана с ритуалами синтоизма и буддизма.
В «Манъёсю», величайшей поэтической антологии VIII века, содержится более 4 тысяч стихотворений, многие из которых считаются народными песнями, переделанными в аристократическом стиле. Тема музыки появляется и в «Повести о Гэндзи», и в других литературных произведениях более позднего времени.
Законодательные своды и акты отражают институциональную основу музыкального развития: так, свод законов «Тайхорё» учреждает управление гагаку.
80-ые. Эмбиент, звуки природы и техно.
Эмбиент, изобретённый в 70-ых британцем Брайаном Ино, пришёл в Японию только через 10 лет. Ино планировал создать фоновую музыку для залов ожидания в аэропортах, а в итоге открыл новый жанр. С японским эмбиентом произошла похожая история. Пионеры жанра Kankyo Ongaku (с японского музыка окружающей среды) писали музыку для бизнеса, рекламы и объектов культуры и отдыха. Однако были те, кто увидел в минимализме эмбиента потенциал для творчества и эксперимента.
Hiroshi Yoshimura
Хироси Йосимура был одним из пионеров жанра. Первый альбом Music For Nine Post Cards японец написал для музея современного искусства Хара. Музыка понравилось посетителям и была замечена композитором Сатоси Асикавой, который включил альбом в свой сборник «Wave Notation». Йосимура писал музыку для галерей, выставок, показов, музеев и даже Японской вещательной компании. Однако за пределами Японии не был популярен. Самый известный альбом композитора — Green был записан на домашней студии в 1986 году. Умиротворяющее журчание воды, пение птиц и стрёкот сверчков соединялись с медленной мелодией синтезатора. По его задумке, во время прослушивания альбома в голове должен создаваться образ успокаивающего пейзажа, который ассоциировался у автора с зелёным цветом. Йосимура умер в 2003 году. За свою жизнь он написал 12 альбомов, которые при жизни композитора были известны малому кругу творческой интеллигенции. После «переоткрытия» жанра американскими музыкальными критиками в 2017 году альбомы Йосимуры начали переиздавать, а самого японца начали считать отцом Kankyo Ongaku.
Haruomi Hosono
В своём сольном проекте лидер Yellow Magic Orchestra Харуми Хосоно играл противоположную YMO музыку. Он брал за основу тишину, медленно заполняемую стрёкотом сверчков, звуками дождя, японскими духовыми инструментами и медитативными ударами гонга. Звуки природы, заполненные долгими паузами и буддийской ритмичностью инструментов создавали атмосферу умиротворения и тишины. Его наиболее известный эмбиент альбом Watering a Flower 1984 изначально создавался как ряд треков, который должны были играть в первом магазине компании Muji в Токио. Альбом, как и большая часть сольного творчества Хосоно, долго оставался незамеченным, однако в 2017 году запись нашли американские музыкальные критики, после чего альбом начал попадать в различные подборки эмбиент альбомов известных западных изданий.
Mkwaju Ensemble
В начале 80-ых Японцы активно экспериментировали с электронными девайсами, однако монотонное звучание секвенсоров и драм-машин устраивало не всех. Тогда японские музыканты обратили внимание на музыкальную культуру Африки, Азии и Австралии.
Участники перкуссионного трио Mkwaju Ensemble играли на африканских барабанах, бамбуковых дощечках, маримба и множестве других традиционных инструментов Африки и Азии. Японская национальная музыка переплеталась с африканскими мотивами ритмичных ударов бонго, хлопков и духовых инструментов. Музыканты много экспериментировали и импровизировали, меняя на ходу ритм и темп композиций. Монотонный стук по барабанам и гул духовых ускорялся так же неожиданно, как замедлялся. Mkwaju Ensemble просуществовало недолго, оставив после себя только 2 альбома, популярных в узких кругах любителей авангарда.
Midori Takada
Их преемница Мидори Такада пошла ещё дальше и добавила к африканским маримба идиофоны, гонги и погремушки. В своём культовом эмбиент альбоме Through the Looking Glass она соединила европейские, азиатские и африканские мотивы. Помимо инструментов, которые использовали Mkwaju Ensemble, Такада играла на стеклянных бутылках Кока-Колы и окарине, с помощью которой имитировала голоса птиц. При создании трека Catastrophe ∑ музыкант добилась ещё больших успехов в извлечении звука из подручных предметов. В ход шли любые объекты, по котором можно было стучать. По её словам, она экспериментировала с различными предметами, потому что верила, что из всего в мире можно извлечь звук, а люди этого просто не осознают. Несколько лет назад творчество Такады было заново открыто музыкальными критиками. В 2021 году швейцарский лейбл WRWTFWW переиздал Through the Looking Glass на виниле, а его электронная версия в том же году стала вторым самым продаваемым альбомом на сайте Discogs. 66-летняя Такада поехала в свой первый тур по США, чем привлекла ещё больше внимания слушателей к Kankyo Ongaku.
P-Model
Музыкальный проект «P-Model» был очень продуктивным — за 20 лет музыканты выпустили 13 альбомов, несколько альбомов с живых выступлений, множество синглов и видеоклипов. Поклонники научной фантастики и экспериментов с электрозвуком P-Model играли быстрые воодушевляющие мелодии в стиле техно и пост-панка. Ключевые темы, обыгрываемые в песнях — робототехника и киберпанк, чей расцвет пришёлся на начало 90-х. Состав группы постоянно менялся, участники уходили и возвращались. От начала и до конца в группе состоял только лидер группы Сусума Хиросава. В 1992 году в очередной раз обновлённый состав P-Model записал одноимённый альбом, ставшим самым популярным у фанатов японской андеграундной сцены того времени. Сквозной темой релиза была компьютеризация, а также влияние науки и техники на культуру и общество Японии. Альбом вдохновил множество художников, музыкантов и режиссёров, таких как Сатоси Кон, Кэнтаро Миуэра и многих других.
Японская музыка в военные и послевоенные годы
С 1941 г. исполнением западной музыки занимался, в основном, Токийский симфонический оркестр. В 1945 г. он был переименован в симфонический оркестр Тохо, Новый симфонический оркестр стал оркестром NHK (Japan Broadcasting Corporation), и стало появляться множество других симфонических объединений.
Также появляется движение рабочих Роон за приобщение рабочего народа к музыкальной культуре.
Японские композиторы этого времени, сочиняя оперы, берут за основу и японские сказания и буддийские предания.
В 1951 г. в NHK открывается музыкальная студия электронной музыки.
Создаются Японская ассоциация современной музыки, которая существовала и до войны под другими именами и каждый год организовывала фестивали, Ассоциация современных композиторов (1946), Синсэйкай (1946), Тидзинкай (1948) и экспериментальная студия Дзиккэн Кобокай (1949).
В 60-е гг. группа появились группы «Онгаку» и «Новое направление», выступающие за импровизацию, но многие группы сочиняли музыку для Оркестра Ниппония, состоящего из традиционных инструментов.
Иностранные музыканты стали снова посещать Японию с середины 50-х гг., и японские музыканты и композиторы также приобретали известность за границей.
В настоящее время западная музыка процветает в Японии. Преподавание, исполнение, музыкальная литература, изготовление инструментов, – все это теперь не уступает Европе. В Токио существуют шесть симфонических оркестров, и все виды западной музыки исполняются и сочиняются в Японии: от музыки Ренессанса и барокко до джаза, рока и других современных направлений. Противостояние между западной и традиционной музыкой сохраняется, но выражено не так явно, как это было ранее.
90-ые. Новое поколение экспериментаторов.
Tujiko Noriko
Норико часто сравнивают с Бьорк. Обе любят экспериментировать и выстраивать тягучие пространные композиции с элементами эмбиента. Но японка не стремится создать образ неземной дивы, поющей о неравноправии, виктимности и душевных терзаниях. Её музыка более «детская», не несёт сильной смысловой нагрузки и не назидает. Сама Норико описывает свою работу как «небольшой выход за рамки законов жанра». Она добавляет в поп-мелодию электронные эффекты, глитч и «пульсирующий» бас, которые в итоге сливаются в гул и шум, из которого трудно вычленить даже партии синтезаторов и ударных. С годами музыка исполнительницы, которая в начале звучала по-детски наивно, становится более мрачной и меланхоличной.
Supercar
Состав Supercar был набран в 1995 году по объявлению, которое в местной газете оставила Мики Фурукава, басистка и вокалистка группы. В первых альбомах музыканты играли смесь шугейза и инди-рока, но со временем погрузились в эксперименты с электронным звуком. Если первые релизы Three Out Change и Jump Up соединяли лёгкие поп мелодии с незамысловатым текстом, дисторшн западных My Bloody Valentine и Ride и нетипичный для японских рок-групп ревёрб, то после третьего альбома Futurama акцент был сделан на экспериментах с электронными девайсами. На смену резкому звучанию шугейза пришёл мягкий и структурно более сложный синти-поп. Гитары, как основной инструмент, заменили на синтезаторы, а текст стал меланхоличным и поэтичным. В последних альбомах Supercar много экспериментировали и добавляли различные инструменты – скрипки, перкуссию и сирены.
OOIOO
OOIOO появились как сайд-проект барабанщицы Boredoms Йосимио в 1996 году. Каждый альбом проекта можно поделить на секции, между которыми нет никакой связи. В музыке квартета постоянно ломается ритм и меняется обработка голоса. Мелодия может неожиданно прерваться и возобновиться уже в совсем другом виде. Группа концентрируется на импровизации и эклектичности в студии, а во время выступлений эпатируют звуком и держат слушателя в напряжении — непонятно в каком направлении будет развиваться мелодия и чем она закончится. Медленный погружающий в транс «грув» с обилием барабанов может резко перейти в психоделический хаос звуков, а энергичная ритуальная мелодия смениться грубым нойзом. Кажется, что музыка создаётся хаотично, а музыканты хотят удивить слушателя непредсказуемостью. Но это не так. В своих интервью Йосимио рассказывает, что песни создаются в результате перебора различных инструментов и техник. Она серьёзно подходит к работе над треками. В студии группа играет так, как играла бы в живую. Затем Йосимио перерабатывает запись и добавляет собственные партии, в которых чаще всего играет на инструментах, которые группа ещё не использовала.
Masakatsu Takagi
В начале 2000-х Масакацу Такаги работал художником и видеографом. Он много путешествовал по миру и снимал на камеру посещаемые места. Попутно записывал местную музыку и необычные звуки. В результате поездок японец набрал множество семплов. Он скомпилировал их, а затем добавил к ним партии пианино и секвенсора. Так получился его первый альбом Pia, записанный в США в 2001 году. Позже музыкант переехал в гористую местность в префектуре Хиого. Жизнь среди гор сильно повлияла на музыку Такаги. Он начал записывать звуки природы, доносящиеся из окна, голоса проходящих людей и пролетающих птиц. Музыка Такаги стала известна в творческих кругах Японии. Композитору посыпались предложения о сотрудничестве от театральных режиссёров и мультипликаторов, которые хотели, чтобы он написал музыку для их работ. Среди них студия Гибли и режиссёр Мамору Хосода.
Концерты Такаги состоят из театрального представления, для которого исполняет музыку оркестр традиционных и классических инструментов, перкуссии и духовых. Актёры и музыканты постоянно меняются. Меняется и ритм, настроение и визуальное оформление, которому музыкант уделяет особое внимание.
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
искусствокультурамузыка
